La Resonancia del Alma y la Música

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por Montalk
7 Septiembre, 2014

del Sitio Web Montalk

traducción de Adela Kaufmann
Versión original en ingles
Introducción

Hay razones objetivas y subjetivas por las que usted podría preferir una canción sobre otra.

 

Las razones subjetivas incluyen:

  • Tradición:
  • porque eso es lo que usted escuchó mientras crecía. Su preferencia entonces surge de la costumbre y de identificación con su familia y cultura. Usted obtiene placer de la seguridad, la comodidad y la familiaridad. La música folklórica y la Música Country caracterizan esto prominentemente.
  • Identidad:
  • Debido a que la canción es una representación simbólica de alguna subcultura en la que usted ha invertido su identidad social, por lo que la música es más un accesorio de moda o emblema desplegado ante otros. Usted obtiene satisfacción de las reacciones que recibe de otros. Todo lo relacionado con un aspecto distintivo, como el rap, punk, gótico, country, y metal puede servir esta función.
  • Sentimiento:
  • Debido a que usted escucha una canción durante un tiempo significativo o emocional en su vida, y ambos de unen entre sí en su mente. La canción luego desencadena esas mismas emociones cuando la oye de nuevo en el futuro. Al igual que un aroma de perfume trae buenos recuerdos, usted deriva placer del efecto sentimental que esto trae. Las canciones pop, especialmente baladas tocadas con frecuencia en la radio, apelan a este factor.

Por sí solos, estos factores tienen poco que ver con la musicalidad intrínseca de la canción.

 

Se limitan a proyectar valores subjetivos sobre lo que es escuchado.

 

La verdadera música se mide por el grado en que su melodía, armonía, ritmo y textura en sí mismos evocan una respuesta objetiva en nosotros. Por ejemplo, un acorde menor suena triste sin que nosotros estemos ni siquiera condicionados a sentir eso. Los bebés pueden distinguir entre acordes armoniosos y disonantes mucho antes de su endoculturación.

 

Un ritmo puede hacernos aplaudir o golpetear ligeramente el pie sin tener que ser enseñados a hacerlo, como se ve en los bebés que doblan sus rodillas y rebotan a la música por instinto. Del mismo modo, un extraño patrón de sonidos extraños puede hacernos inclinar nuestras cabezas en curiosidad.

 

Algunas respuestas objetivas estimulan el intelecto, otras el cuerpo físico, y algunos de los aspectos emocionales y espirituales de nuestro ser.

 

Así que además de los motivos subjetivos mencionados para la preferencia musical, también existen los objetivos:

  • Intriga:
  • su inteligencia es despertada por la originalidad, extravagancia, o complejidad de una canción. Usted encontrará diversión siendo agitado desde el aburrimiento, la apatía, o el hastío por su novedad. La música electrónica experimental, el ruido y el rock matemático están exclusivamente centrados en este aspecto.
  • Rítmica:
  • El compás y el ritmo de la canción estimulan las áreas motoras y del habla de su cerebro, provocando que baile. Usted obtiene placer de las endorfinas liberadas a través del movimiento físico, a partir de la aprobación social y camaradería presente al bailar con otros, y simplemente se siente bien estando físicamente motivado y energizado por el equivalente sonoro de una droga estimulante.
  • Resonancia:
  • Hay algo dentro de una canción que estimula algo dentro de usted a nivel arquetípico espiritual emocional. Evoca una respuesta de acuerdo a lo mucho que internamente resuena con la combinación la melodía, armonía, ritmo y textura de la canción.

Las canciones representan típicamente una mezcla de todo lo anterior.

 

Cuando una canción combina varios factores, tiene mayor impacto y un atractivo más amplio:

 

  • Un poco de resonancia emocional va un largo camino hacia la construcción del condicionamiento asociativo, que a su vez amplifica la intensidad emocional aparente de la canción y conduce a un fuerte efecto sentimental. Esta es la base de las baladas cursis tocadas en las estaciones de radio a lo largo de los años 70 y 80.
  • El ritmo realza canciones intelectualmente fascinantes, añadiendo un poco de energía física, por lo que es a la vez interesante y divertido, con muchos ejemplos encontrándose en la música electrónica.
  • El ritmo combinado con la tradición hace un alto factor para la danza, como puede escuchar se ven las danzas orientales europeas populares, la samba y salsa, polka mexicana, música movida americana y baile country.
  • Identidad, intriga y resonancia de la ira pueden ser encontradas en la mayoría de las formas de nu metal, djent, screamo, grindcore, etc.

 

 

Preferencias musicales

Sabemos que las personas difieren en el grado en que ellos responden a una canción.

 

Algunos pueden no identificarse con la tradición representada; algunos encuentran su complejidad intelectual confusa e irritante; algunos sólo desean ritmo y encontrar un poco atractivo en una emotiva balada lenta; algunos no tienen dentro de sus almas los aspectos que una canción está apuntando a resonar; algunos nunca tuvieron una experiencia significativa o emocional ligada a una canción en particular que, para otra persona, tiene mucho valor sentimental.

 

Así que cuando diferentes personas responden de manera diferente a la misma canción, entienda que en lo que respecta a los factores objetivos, la diferencia implica sólo el grado en el que ese factor está presente en esa persona. Una pieza experimental peculiar y compleja puede inspirar mucho interés en una sola persona, poco interés en la otra, y un fuerte desinterés en una tercera.

 

Cuando una canción tiene ritmo, una persona va a bailar incontrolablemente, otro sólo lleva el ritmo con su pie, y otro sin sentido del ritmo cruzará los brazos en el aburrimiento. Cuando una canción resuena la emoción de la felicidad, una persona va a tener lágrimas en los ojos, otra simplemente se sentirán elevada, y otra puede no importarle sentirse feliz en ese momento. Es acerca de diversos grados en la misma escala.

 

Por otro lado, los factores subjetivos no tienen tal consistencia:

  • Un hombre escucha una canción durante su primer beso, otro justo antes del accidente de coche que mató a su esposa. La misma canción por asociación evocará una sonrisa en el primero y tristeza en el segundo.
  • La misma canción de rap trae un sentido de pertenencia e identidad a una persona y una sensación de odio o desprecio contra la cultura negra en otra.
  • La asociación negativa puede ser tan fuerte que anula el valor de resonancia intrínseca de una canción. A una persona le gusta el metal porque resuena su sentido interno de valentía y fuerza, otro la odia únicamente porque su abusivo ex-novio estaba en una banda de metal.

La fuerte antipatía contra cierta música es por lo general debido a una combinación de falta de resonancia, asociaciones negativas condicionadas, choque contra la propia tradición o afiliación subcultural, y la aversión a las respuestas corporales inducidas por la textura y el ritmo (de una canción como ritmos de baile fuertes saliendo como licenciosa a los mojigatos o guitarras distorsionadas hiriendo los oídos de los que prefieren la comodidad y suavidad).

 

Entonces surge la pregunta, ¿qué dice la preferencia musical sobre una persona? He aquí algunas posibilidades:

  • Si a usted le gusta una canción por el solo hecho de tradición, identificación, o sentimentalismo entonces simplemente indica la naturaleza de las experiencias e influencias sociales con las que ha sido impreso. Se dice muy poco acerca de su ser interior. ¿Cómo puede hacerlo, si la resonancia a la musicalidad intrínseca de una canción no juega ningún papel en escucharla o cantarla siempre?
  • Si a usted le gusta una canción exclusivamente por su intriga intelectual, entonces meramente se limita a indicar que usted realmente no había escuchado algo así antes. Es algo nuevo, sorprendente, y por lo tanto divertido. Si la canción es compleja y abstracta, a lo mejor dice que usted tiene un intelecto activo que disfruta de la estimulación sensorial abstracta. Pero no dice nada acerca de su alma.
  • Si a usted le gustan las canciones únicamente por su ritmo, entonces usted es probablemente una persona kinestésica con una buena coordinación mano-ojo y un sano sistema motriz del habla en el cerebro. Habla más de su composición fisiológica y neurológica que nada.

Estos factores no proporcionan mucha información sobre su composición interna emocional, o arquetipo espiritual.

 

Por eso, tenemos que mirar el factor de resonancia, en donde algo en la música resuena algo para usted. En otras palabras, pura comunicación entre canción y alma.
 

Resonancia del alma

Una canción sólo puede resonar aquello que está ahí para ser resonado, y si una parte del espectro interno de uno está ausente, entonces no se notarán las cualidades correspondientes de la canción, y mucho menos se sienten. Como dos personas con diferentes tipos de daltonismo, es posible que una persona vea algo en una canción que el otro no puede, y viceversa.

 

Nuestras composiciones internas difieren; no todos tenemos el mismo espectro de resonancia emocional.

 

Este tipo de diferencia no se debe a una diferencia en la proyección subjetiva o asociación, sino en la percepción interior de lo que está objetivamente allí.

 

Así que de lo que realmente estamos hablando aquí es de características de resonancia del alma, es decir, el espectro único de emociones, temas de experiencia, y vías de cumplimiento que responden y anhelan más profundamente.

 

Estos pueden vislumbrarse haciéndose las siguientes preguntas:

  • ¿Cuáles son sus prioridades más profundas?
  • ¿Qué es lo que le trae la mayor realización?
  • ¿Qué motiva su existencia?
  • ¿Qué es lo que le completa a usted cómo ser?

Las respuestas pueden corresponder a la música con la que usted más resuena.

 

Esotéricamente, las respuestas a estas preguntas también corresponden a la “historia de su vida.” Las mismas características de resonancia del alma que son tocadas por la música también son tocadas por sus respuestas internas a acontecimientos de la vida. De hecho, son estas características de resonancia las que atraen sincrónicamente tales eventos en el primer lugar a través de procesos cuánticos-metafísicos.

 

Así, el tema de su vida, la naturaleza de su alma, y  las cualidades musicales de las canciones con las que usted resuena todas comparten correspondencia.
 

 

 

Textura Musical

La música codifica las respuestas del alma a ciertos temas de la experiencia, o reinos. Pero, ¿cómo hacerlo? Vamos a examinar los componentes de la música, comenzando con textura.

La textura transmite información sobre el entorno, la atmósfera, y el origen de un sonido. Considere el sonido de una copa de vino siendo golpeada por un tenedor contra el pitido de una alarma de incendio en el mismo tono. La misma nota musical puede evocar diferentes entornos, ambientes y orígenes a través de diferentes texturas.

 

La textura salta al cerebro en la invocación de datos sensoriales unidos por asociación a la textura.

Esta asociación ocurre en varias formas:

  • Acondicionamiento:
  • Si el sonido de una copa de vino era previamente asociado con buenos momentos en un banquete, la textura puede invocar un sentido de celebración, elegancia, y felicidad. Pero podría también invocar terror si la asociación fuera construida a través de una experiencia traumática.
  • Instinto:
  • Uñas en una pizarra invoca una reacción visceral a nivel fisiológico profundo. El rugido de un león, el grito ronco de un hombre enojado, o el fuerte silbido de una serpiente se entienden en un nivel instintivo para significar peligro, y por lo tanto, los bebés llorarán ante estos sonidos sin haber previamente experimentado ningún daño en ellos. Hay algo evolutivamente codificado en nuestra biología, o incluso en nuestro inconsciente colectivo, que nos hace responder a ciertas texturas en ciertas maneras. Es el equivalente sónico de temer a las serpientes y arañas en las personas que nunca han sido heridas por una.
  • Semejanza:
  • Cuando la textura de un sonido se asemeja a la de otro, los rasgos de este último están asociados con el primero. Por ejemplo, la textura de una guitarra distorsionada es similar a la del aceite que chisporrotea, aguas agitadas, o el rugido de una multitud, por lo que evoca impresiones de energía y potencia. La textura del fagot es similar a la voz de alguien con una nariz congestionada, por lo tanto, el fagot evoca imágenes orientadas por la nariz como un gnomo torpe con una nariz grande.

¿Qué constituye exactamente la textura?

 

Tiene que ver con la huella digital única de armónicos que cabalgan encima de la frecuencia fundamental de un tono y de cómo éstas evolucionan o se deterioran con el tiempo.

 

Algunos sintetizadores digitales utilizan este principio de combinar frecuencias múltiples (fundamentales y armónicas) para crear una textura única que emula la de una flauta, piano, guitarra, trompeta, y así sucesivamente.

 

Dos sonidos que comparten el mismo terreno de juego tienen la misma frecuencia fundamental, pero sus huellas dactilares armónicas difieren.

 

Una copa de vino o un diapasón tienen un puro fundamental con pocos matices, mientras que una guitarra distorsionada tendrá muchos matices y por lo tanto el sonido es más grueso o más rico en el mismo tono.

 

 

 

Ejemplo 1: El mismo tono con diferentes texturas. Onda sinusoidales, ondas cuadradas, trompeta sintética, sintetizador, guitarra de cuerdas de nylon, guitarra eléctrica, flauta, flauta con reverberación, violín, piano con reverberación, coro y tardanza.
La textura es transportada adicionalmente por la reverberación del sonido.

 

La reverberación es similar al eco. Un sonido que se reproduce en una gran catedral de piedra tendrá una larga y rica, reverberación, densa en comparación con el mismo sonido que se reproduce en un ascensor. La reverberación es producida por un cambio en la estructura de los tonos armónicos del sonido, ya que interactúa con el medio ambiente.

 

Piedra, metal, madera, plástico, cuero, tela y todo absorben y reflejan el sonido de manera diferente, restando ciertos matices de un sonido antes de que se refleje de vuelta.

 

La distancia y el ángulo de estas superficies modifica aún más la amplitud y el tiempo que los armónicos individuales están reflejando. Así, las reflexiones se alteran de una manera única según el tipo de espacio en el que el sonido es reproducido. Esto salta al cerebro haciéndole imaginar la naturaleza de ese espacio, y por lo tanto el entorno y la atmósfera.

 

Así, la reverberación es otro aspecto de la textura, que pinta una imagen del espacio en el que suena el tono.

Así que cuando usted escucha un piano con mucha reverberación, es posible pensar en un viejo piano tocando en un gran edificio en ruinas que, por las asociaciones construidas a través de todas las películas de terror que hemos visto, da la impresión de escalofríos, fantasmas, casas encantadas y tal.

 

La textura no es realmente un elemento musical fundamental, simplemente adorna una canción al proporcionar las señales de información sobre la forma en que debe interpretarse. La música no es incluso un requisito, ya que la textura solo puede momentáneamente convertir un tono en imágenes vivas a través de la asociación.

 

Por lo tanto la textura por sí misma no es capaz de resonar directamente el alma; en el mejor de los casos podría inducir una objetiva reacción visceral en el cuerpo, por ejemplo, uñas en una pizarra. La mayor parte del tiempo, sin embargo, la textura es un dispositivo asociativo, una señal..
Sin embargo, el alma puede resonar con el tema de la experiencia representada por un entorno y un ambiente particular, que a su vez puede ser asociativamente evocado por la textura del sonido. Así que si su alma resuena con temas de vida espiritual monástica, entonces, la textura de un coro de niños cantando una nota en un espacio que parece una catedral puede apelar a usted.

 

La resonancia que siente no es con la estructura musical de esa nota cantada, sino el contexto que esta textura representa.

 

Si queremos descubrir qué es lo que produce resonancia directa al alma dentro de la música, tenemos que desactivar la textura para evitar que la asociación actúe como un sustituto.

 

Si una canción se puede extraer los mismos sentimientos, incluso cuando es ejecutada únicamente por algo tan elemental como ondas sinusoidales, entonces debe contener algo intrínseco a su estructura musical que despierta los puntos correspondientes de la resonancia en el alma.

 

 

 

 

Armonía

De los cuatro componentes (textura, ritmo, melodía y armonía) es la melodía y la armonía las que resuenan directamente en el alma.

 

La melodía se produce cuando los tonos son reproducidos en secuencia, la armonía cuando se tocan simultáneamente. La melodía cuenta una historia, la armonía da el contexto o telón de fondo para los eventos de la historia. Juntos codifican un tema particular de la experiencia, a saber, la “historia de tu vida” mencionada antes.

Si producimos un solo tono o una nota, poco es evocado porque carece de contexto y variación. Simplemente es. Pero cuando dos notas suenan juntas, cada una proporciona contexto para la otra. Esta combinación se conoce como un intervalo, la más simple de armonías.

 

Las armonías más complejas implican más notas tocadas simultáneamente, y éstas se llaman acordes.

 

En la armonía, las frecuencias involucradas comprenden una cierta relación. Si un tono consiste en vibraciones del aire que oscilan a 200 ciclos por segundo y el otro a 300 ciclos por segundo, juntos comprenden una proporción de frecuencia 2: 3. Es esta relación o intervalo el que lleva una cierta sensación cuando es percibido.

 

El radio 2: 3 (intervalo de quinta justa) tiene una sensación real y poderosa, 4: 5 (tercera mayor intervalo) a una feliz, y 5: 6 (tercera menor) un color sombrío o triste.
 

 

Ejemplo 2: onda sinusoidal de una sola nota, dos notas formando un intervalo de tercera menor, tres notas formando un acorde menor. Misma secuencia repetida con piano.

 

Los acordes, hechos de varias notas o intervalos apilados uno encima de otro, evocan una paleta aún más rica de sentimientos… hasta cierto punto.

 

Desde una perspectiva metafísica, el intervalo puro es unísono, que no es realmente un intervalo sino una sola frecuencia. Dos tonos al unísono tienen el mismo paso y son, por lo tanto, Uno. El siguiente intervalo simple, 1: 2 es la octava, representando el principio de “Como es arriba, es abajo”.

 

Los intervalos subsiguientes de 2: 3, 3: 4, 4: 5, etc. se mueven cada vez más hacia un sonido disonante ya que están aumentando las distorsiones lejos de Uno (1: 1).

 

Los lectores de la Serie La Ley del Uno estarán familiarizados con el concepto de distorsión.
 

 

Ejemplo 3: Los doce intervalos del unísono a la octava relativa a C (Do). Unísono, segunda menor, segunda mayor, tercera menor, tercera mayor, cuarta justa, cuarta aumentada, quinta justa, sexta menor, sexta mayor, séptima menor, séptima mayor, octava.

 

Lo mismo con los acordes; cuanto más complejo es el acorde, más relaciones de disonancia e impureza están involucrados.

 

En el momento en que llegamos a los acordes séptimo, noveno, undécimo, decimotercero estamos bastante lejos del reino metafísico y ahora firmemente en la arena de la vida arraigada al dominio físico.

 

Estos acordes evocan sentimientos que resuenan contorsiones del alma a la vida en 3D. Estos acordes tienen “carácter” de la misma manera que una persona “que ha pasado por algunas cosas” o un coche oxidado golpeado se dice que tiene carácter.

 

No es ninguna sorpresa que el blues, el jazz y el rock clásico hagan uso frecuente de estos acordes.

 

Ejemplo 4: La progresión de simples acordes a acordes a cada vez más extraños y complejos. Tríada mayor, tríada menor, cuarta suspendida, tríada aumentada, séptima disminuida, novena dominante, undécima dominante, decimotercero dominante.

 

Si se añaden los intervalos iguales de otros de manera que un acorde consista de decenas si no cientos de notas en los intervalos más extraños y más disonantes, eso representa la distorsión tan lejos de la divinidad que comienza a sonar como la materia misma.

 

De hecho, los átomos, las moléculas, las estrellas y los planetas emiten vibraciones que presentan este carácter.
Recapitulando, la armonía en la ausencia de la melodía, el ritmo y la textura todavía puede evocar un sentimiento en el alma como lo demuestra un intervalo menor o un acorde que suena triste y uno en mayor, uno feliz. ¿Cómo es que la tristeza es codificada por sólo dos números: 5 y 6?

 

¿No es sorprendente que algo tan aparentemente subjetivo, rico y profundo como la emoción humana está estrechamente ligado a algo tan frío, objetivo e intelectual como las matemáticas? Esa es la paradoja de la música.

 

Está claro que la música es un puente entre la física y la metafísica.
Melodía

Mientras que la armonía es el apilamiento vertical de tonos, la melodía es su disposición secuencial.

 

La melodía depende del tiempo, ya que las notas vienen una tras otra, y cada una lleva una cierta duración. Por lo tanto las melodías tienen automáticamente algún elemento de ritmo también.

 

Como se explicó anteriormente, el ritmo es asociado con el cuerpo físico. Es paralelo al bombeo del corazón, la repetición de la respiración, las pisadas de los pies sobre el pavimento, el movimiento de las manos en el aire, y el ritmo del habla. Tempos más rápido de canciones son conocidos por acelerarlas, tempos más lentos pueden frenarlas.

 

Tenga en cuenta que el tiempo lineal y cuerpos físicos son las dos cosas que en conjunto definen lo que significa tener una existencia corpórea. Usted tiene un cuerpo con todos sus patrones biológicos rítmicos y vive la vida de un evento a otro.

 

 

 

La armonía es transcendental 

La armonía pura, por otro lado, es atemporal y sin cuerpo.

 

Así, la melodía y el ritmo son los dos aspectos de la música que paralelan la experiencia en los planos físico y etérico.

 

La relación entre dos frecuencias es una constante adimensional. Es independiente del tiempo, el espacio, la dimensión y escala. No importa si las frecuencias son bajas o altas, si la vibración se lleva a cabo en el aire, agua o éter. Una relación es una relación independiente de estas variables. Incluso en la superficie de un agujero negro donde el espacio se ha contraído a cero y el tiempo hasta el infinito, la relación se mantiene intacta.

Así, la armonía y sus sentimientos asociados son trascendentales; existen más allá del espacio y el tiempo.

 

Así es como la armonía puede llegar hacia arriba a través de los niveles de la existencia y estimular la mayor mitad del alma, es decir, el cuerpo astral, que a diferencia del cuerpo etérico es independiente del tiempo lineal y el espacio.

 

 

 
La armonía es un lenguaje astral.

 

El cuerpo astral es conocido en la tradición oculta por contener patrones arquetípicos, y, presumiblemente, cada uno tiene un patrón musical correspondiente. Estos patrones arquetípicos son precisamente las características de resonancia del alma discutidos anteriormente.
Cuando la armonía de uno progresa a otra, esto representa un cambio en el estado del cuerpo astral, ya sea debido a alguna experiencia evocando una cierta respuesta o el alma sometiéndose a un cambio en la percepción de un dada la situación.

 

Mientras las melodías relatan la crónica de los acontecimientos externos de la vida, las armonías describen el subtexto interno, así como el contexto metafísico detrás del velo de esas experiencias. La armonía ofrece la corriente interna de la conciencia, la melodía el guión gráfico visual.

El contexto es importante. Para ilustrar, una progresión melódica feliz emparejada con una armonía triste subyacente codifica la tristeza que acecha bajo las apariencias alegres. Alguien está luchando por la victoria y poniendo una sonrisa, aunque en el fondo sé que es todo en vano; el final es tragedia.

 

Esta agridulce yuxtaposición es un dispositivo potente que se usa en muchas canciones.

 

 

 

Ejemplo 5: Cómo el contexto afecta la interpretación de una melodía. En primer lugar, una melodía sencilla utilizando la escala mayor. Luego la misma melodía acompañada por acordes mayores. Luego por acordes menores.

 

Así melodía y armonía respectivamente codifican las corrientes interiores y exteriores de la experiencia.

 

La manera en que éstos se influencian uno al otro capta la esencia de un reino particular. Si usted resuena con cierta música, usted está resonando con el reino que ésta encarna, y eso dice algo acerca de su alma.

 

 

Música Monofónica

No todas las culturas emplean rica armonía en su música tradicional.

 

Algunos sólo hacen hincapié en la melodía y el ritmo. Este tipo de música se llama monofónica, lo que significa melodía sin acompañamiento de progresiones armónicas.

 

Un ejemplo es la música clásica de la India, donde una melodía solitaria suena encima de un constante tono monótono. Otros ejemplos de la música monofónica incluyen las gaitas irlandesas, algunas formas de canto gutural tuva, los primeros cantos litúrgicos medievales, y un poco de música oriental de Turquía y Oriente.

 

Hoy en día también se pueden encontrar en una buena parte de pistas electrónicas centradas en el ritmo y la textura en lugar de melodía y armonía; estas pistas llenan el vacío sonoro con un subyacente tono monótono o línea rítmica de bajo monofónico.

 

 

 

Ejemplo 6: música monofónica. Estilo clásico indio, gaitas irlandesas (por Anthony Byrne), canto en sobretonos (por Alex Greenfield) como es practicado en Mongolia/Siberia, Hildegard von Bingen – O Successores, Khetzal – Ático indio (melódica para entrar en trance, que toma prestado de la monofonía india).

 

En la música tradicional monofónica, el zumbido actúa como un punto fijo de referencia que permite que la melodía sea más claramente distinguida.

 

Sin ella, las notas de una melodía se escuchan ya sea en relación unas con otras, o con respecto a una línea de base imaginada que podría ser diferente de la que el compositor pretendía.

 

Por ejemplo, las notas C y D # (do y re sostenido) son un intervalo de tercera menor aparte, y cuando se tocan juntos crean un efecto melancólico. Cuando se reproducen de forma secuencial, entonces, en ausencia de otras señales musicales, el cerebro yuxtapone la segunda nota con su memoria de la primera, y el efecto es como tocando los dos juntos; evocando la misma tristeza.

 

Si ahora añadimos en un tono monótono fijo bajo el tono C (do) y tocamos de nuevo la secuencia, el efecto sigue siendo triste.

Ejemplo 7: C y D # (do y re sostenido) tocados juntos, luego, C y D # alternados, a continuación, C y D # alternando con bajo C (do abajo de el, luego, C y D # alternado con bajo G # (sol sostenido) abajo en su lugar, luego repetido en estilo polifónico con algunos arpegios para enfatizar la diferencia.

 

Pero si cambiamos el tono monótono a G # (sol sostenido) y repetimos el experimento, ahora el efecto triste desaparece.

 

¿Por qué? Debido a que el cerebro ya no yuxtapone 0l zumbido de C (do) con la nota D # (re sostenido) como antes para hacer una a tercera menor sonar triste. Más bien primero escucha el intervalo G #: C (Sol sostenido: Do – cuarta perfecta) y luego G #: D # Sol sostenido: Re sostenido – quinta perfecta) – ninguno de los cuales suena triste. De allí, las funciones de los zumbidos como un “centro tonal” que da orientación a una melodía.

 

Un centro tonal diferente da una diferente interpretación de una melodía
Música Atonal

Las melodías que no tienen un centro tonal y cuyas notas no tienen relación obvia entre sí, no tienen musicalidad ni armonía, ni explícita por el apilamiento de tonos, o ni implícito en la yuxtaposición de notas secuenciales en la memoria.

 

Si la armonía es asociada con el cuerpo astral y la melodía con el etérico, entonces la música atonal representa un cuerpo carente de ambos. Es una serie de eventos sin hilar a través de cualquier percepción consciente y emocional.

 

Recordemos cómo en algunas películas de ciencia ficción, los ruidos de un robot o marcas de computadoras eran típicamente una serie aleatoria de pitidos, representante de la falta de sensibilidad o de humanidad de la máquina.

Ejemplo 8: Schoenberg – Tres Piezas para Piano, N º 1, luego algunas notas generadas al azar de duración arbitraria.

 

No importa si las notas son elegidas de acuerdo con algún principio matemático abstracto; si el principio no se refiere a aquellos activos en espíritu, alma y cuerpo, entonces el resultado no es musical.

 

Si alguien fuera a cocinar una comida hecha de elementos de la tabla periódica cuyo número atómico siguiera la secuencia de Fibonacci (1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89), lo que sería increíblemente innovador y rendiría homenaje al principio de la espiral de oro de la naturaleza, pero no sería alimento y de comerlo, usted moriría lentamente.

 

Y, sin embargo, los seres humanos son expertos en desarrollar gustos adquiridos que los mata lentamente, como el alcohol y el tabaco, y lo mismo se puede decir de cierta música. ¿Es sorprendente entonces, que la música atonal se pusiera de moda a finales del siglo 19 y principios del siglo 20 durante las alturas de la revolución industrial y el materialismo científico?

 

Su atractivo es principalmente uno de intriga intelectual e identidad, pero el factor de resonancia del alma permanece ausente, con excepción de los intentos de algunos para inducir una sensación de miedo, alienación y ansiedad a través de la disonancia.

 

Música Polifónica

En comparación con la música monofónica del Este, la mayor parte de la música occidental desde el Renacimiento es polifónica y hace un gran uso de la armonía.

 

Los intervalos se entrelazan y/o los acordes progresan con las melodías interpretadas encima de ellos. Mientras que en la música monofónica, la línea de base tonal es fija, en este caso, de línea de base cambia según se desee, por lo que la orientación de una melodía cambia en consecuencia.

 

A la misma melodía se le puede dar diferentes perspectivas dependiendo de qué acordes acompañan.

Ejemplo 9: Varia música polifónica desde la clásica hasta el rock. Monteverdi – Duo Seraphim (1610), Byrd – Misa a 4 voces II. Gloria (década de 1590), Purcell – Pastor Dejando señuelo, de El Rey Arturo (1691), Tracy Bonham – Madre Madre (1996), Mientras el cielo lloró – Vessel (2009), Isole – Vida? (2006)

 

Para los oyentes acostumbrados a la música monofónica, el cambio de línea de base o cambio del centro tonal de la música polifónica crea un efecto perturbador, vertiginoso sin conexión a tierra.

 

Hay algunos misterios profundos contenidos en esto. Pues resulta que, las culturas que disfrutan de la música monofónica también resultan ser los que ponen la mayor importancia en la tradición y la estabilidad cultural.

 

El tono constante representa subliminalmente la nota clave de su cultura, la línea que recorre cada generación. Se puede decir que el centro tonal es la piedra angular de un ámbito determinado, el índice numérico principal que distingue a ese reino de otro. Esto no es más evidente que en el hinduismo, donde la sílaba “Om” se dice que es el zumbido subyacente de la realidad, la vibración que da origen a nuestra existencia manifestada.

 

Es el zumbido del Logos al cantar la Creación a la existencia cimáticamente a través del Demiurgo.

 

Modulación Clave

Entonces, ¿qué significa para un centro tonal cambiar?

 

Si cada centro tonal es la línea de base de su propio reino, entonces un cambio representa una transición de un reino a otro.

 

Observe cómo el mismo evento de la vida puede ser visto desde diferentes perspectivas dependiendo de en qué ámbito o perspectiva tiene sus raíces su conciencia. Si usted tiene sus raíces en el materialismo y la vanidad, y luego pierde su cuerpo en un accidente de navegación, eso será devastador.

 

Si usted está arraigado en lugar de en su mente espiritual más alta, es posible que vea esto como la conclusión natural de un curriculum bien planificado. De la misma manera, una melodía puede tomar diferentes tonos dependiendo de su armonía subyacente y centro tonal.

 

Ahora, dado cualquier tono, usted puede construir una escala de notas multiplicando su frecuencia por diversas proporciones. Este lanzamiento se convierte en el centro tonal (o tónica) de esa escala. Al apilar varias notas de esa escala, usted puede crear acordes. Tanto la escala como los acordes están arraigados en ese centro tonal.

 

Así que cuando una canción se dice que “en la tonalidad de Do mayor,” significa su centro tonal es C (do) y la escala de la que se construyen los acordes y melodías pasa a ser la escala mayor.

 

Ejemplo 10: Cómo suena la tonalidad de Do mayor. Primero la escala familiar Do Re Mi (escala mayor), luego, una tonadita polifónica utilizando ambas escalas y acordes de esa clave.

 

En contraste, la música monofónica mantiene la misma clave a través de una canción, suena la tónica constante, y toca una sola línea melódica.

 

Todo lo contrario es cierto para la música polifónica. Puede cambiar clave, no siempre suena la tónica, puede apilar notas en acordes, y tocar varias melodías entretejidas a la vez.

 

Cuando la clave cambia a lo largo de una canción, que se conoce como modulación clave; significa cambiar el centro tonal mencionado a lo largo de una canción, a veces incluso dentro de la misma melodía o frase musical. Las mismas melodías pueden desviarse fuera de la escala en la que comenzaron. Una melodía puede subir en la escala mayor que suena feliz y descender en la escala menor que suena triste.

 

Los acordes que acompañan la melodía también pueden pasar de una tecla a otra, mientras esto ocurre, si así se desea.

Ejemplo 11: La no-modulación en comparación con la modulación. Observe cómo el ejemplo de la no modulación suena un poco aburrido y convencional, mientras que el ejemplo de la modulación suena más interesante pero extraño.

 

 

El Poder de la Música Polifónica

Modulación es la transición entre universos musicales. Te saca de un reino a otro.

 

La forma más rudimentaria de modulación, frecuentemente utilizada en la balada pop, es donde un coro repite pero sube en el tono por algún intervalo. Esto se llama humorísticamente el “cambio de marcha de camionero.”

 

Es un cliché que todos hemos oído: justo cuando piensas que la canción no podría ser más cursi, salta de tono (por lo general después de una dramática pausa) y fue entonces cuando la cámara enfoca a una mujer en la audiencia derramando una lágrima mientras el público aplaudía el vocalista lloriqueaba. La elevación del centro tonal es paralela a romper la barrera del sonido y entrar en un completo nuevo nivel de intensidad.

 

Esto es sólo un ejemplo de modulación.
 

Ejemplo 12: “El cambio de engranaje del camionero” o “cambio de marcha de camionero”, una modulación de un solo paso en exceso empleado en la música pop para hacer que la gente chille y aplauda y grite.

 

Disculpas por las muestras.

 

Whitney Houston – I Will Always Love You, Bon Jovi – Livin ‘On A Prayer, Michael Bolton – ¿Cómo podemos ser amantes?

Cuando una melodía se mantiene en la misma escala y sus acordes que la acompañan avanzar en la misma clave, la canción permanece delimitada en el mismo reino.

 

Cada resonancia que esta canción induce en el alma pertenece al mismo conjunto. Estas resonancias paralelan las experiencias que tienen lugar en un solo reino. Tiene sus usos, pero puede ser un poco unidimensional. La música monofónica es una forma extrema de esto.
Tiene sentido, entonces, que la civilización occidental haya visto el mayor volumen de negocios en los paradigmas culturales, políticos, científicos y sociales. Sólo considere cuánto ha cambiado desde la Edad Media tardía, desde el nacimiento de la música polifónica en la cultura occidental. La sociedad occidental no es una cultura monofónica que se sujeta firmemente a un antiguo zumbido y permanece anclada en un reino. Es tan volátil como su música.

 

Ya que la modulación implica el movimiento de un acorde o intervalo a otro de una escala y tonal diferente/o centro, entonces, puesto que hay muchos acordes e intervalos, hay un número incluso mayor de posibles modulaciones.

 

Y cada una de estas modulaciones lleva su propia sensación única también.

Ejemplo 13: Secuencia de acordes en Do Mayor que no modulan, luego, la secuencia de acordes donde cada acorde está en una clave diferente de la anterior.

 

Así que además de intervalos simples o acordes cada uno con su propio sentir, una transición particular de uno a otro también lleva en sí una sensación única, y que incluye las transiciones de un acorde en una tecla o universo musical a otro.

 

La profunda implicación es que ya que incluso este último puede inducir resonancia en el alma, entonces de alguna manera el alma debe estar familiarizada con la transición entre reinos.

El cambio de marcha del camionero es popular porque representa el logro de un nuevo nivel en la vida, lo que en Tierra normalmente significa llegar a un nuevo nivel de éxito, realización, o triunfo. Esa es una experiencia cumbre que muchas almas encarnadas aquí parecen estar buscando. Es la transición de un reino menor a un reino más emocionante de experiencia.

 

Dado que este es un tema tan común entre las encarnaciones humanas, el potencial para resonar con la modulación correspondiente es igualmente común. De ahí su uso en la música pop para construir y ampliar el sentimentalismo y por lo tanto los ingresos.
Otras modulaciones son menos familiares. Yendo de C: G a C#: F# (o E: B a F: A # como en el ejemplo) tiene una oculta, oscura y mística sensación a la misma.

 

Esto se debe en parte a la participación de un intervalo conocido como la cuarta aumentada, base del acorde tritono que la Iglesia medieval suspendió por sonar demasiado diabólico.
 

Ejemplo 14: El acorde tritono, que la iglesia prohibió. Luego, el intervalo de cuarta aumentada en la cual está basado.

 

Estos son altamente disonantes y suenan verdaderamente maléficos o premonitorios.

 

La forma correcta de usarlos, sin embargo, es a través de E: B a F: A# como se ilustra en este ejemplo, donde E-> A# y B-> F son cuartos aumentados, sin embargo juntos pierden su disonancia y se convierten en sonidos de otro mundo.

 

Interpretado de esta manera, uno escucha el pináculo de modulación, lo máximo de sonidos de otro mundo. Eso puede ser lo que la Iglesia realmente quería prohibir, es decir, la estimulación de impulsos trascendentes. En este ejemplo, la secuencia de acordes se repite con diferentes énfasis en ciertas notas para que se puedan oír a los pares de cuartas aumentadas.

 

Luego sigue un clip de mi canción Profundo Lago Negro donde utilizo esta secuencia.

 

Cualquier experiencia que esta modulación paralele, no es algo limitado al dominio terrenal.

 

Pero el hecho de que podamos responder a ella en absoluto muestra que nuestras almas han sufrido exposición a reinos ocultos místicos, oscuros. Si realmente nos gusta esa sensación, entonces la resonancia debe ser especialmente intensa, y tal vez tengamos un pie en ese otro mundo. Si simplemente nos sentimos extraños y nos alejamos de él, entonces talvez captemos atisbos de esos reinos y prefiramos la comodidad de nuestra vida de vuelta a casa.

Por lo tanto, nos encontramos frecuentemente con el tritono o C: G a C #: F # modulación utilizada en el metal gótico, negro, o funesto, pero casi nunca en la música country o baladas pop, ya que este último está plantado con firmeza en la vida cotidiana en la Tierra.

 

Note que el tritono o cuarta aumentada es sólo diabólico cuando sonaba tocado de forma simultánea o como una melodía en la misma clave, ya que esa yuxtaposición lleva a cabo su inherente disonancia. La música oscura utiliza esto para implicar fatalidad o temor.

 

Pero en una secuencia de modulación tal como C: G a C #: F #, dos cuartas aumentadas (vamos de bajo a alto, la otra, de algo a bajo) terminan neutralizándose entre sí como una colisión de materia-antimateria, generando en su lugar un misterioso agujero de gusano musical entre los reinos.

 

Por eso, esta secuencia de acordes es el epítome de la transición de los reinos. Extrañas modulaciones también se pueden encontrar bandas sonoras de películas de terror y fantásticas.

 

El tema de Harry Potter intenta realmente duro modular de manera que evoca una sensación de ocultismo, magia y maravilla mística.

Ejemplo 15: Tema de Harry Potter.
Otras modulaciones son simplemente extrañas de una forma inocente, elemental o selvático.

 

Un ejemplo es C: E a D #: G. Dado que estos son dos terceras mayores (felices) los intervalos sin el malvado tritono a ser encontrado entre ellos, son de otro mundo, pero en un sentido más alegre.

 

Ejemplo 16: C: E a D #: G una modulación mágica de duendes, luego lo mismo con una melodía de flauta de acompañamiento para mejorar el efecto.

 

El Poder de La Música Monofónica

Eso no quiere decir que la música monofónica con su falta de armonía y modulación es inferior.

 

Lo que le falta en la capacidad de remover el cuerpo astral, lo gana en la estimulación de los cuerpos etérico y físico. Hay una ciencia secreta para la monofonía que le permite alterar la fisicalidad a través de la manipulación del intermediario etérico, o alterar la fisiología a través de la profunda manipulación a nivel de circuitos neuronales y cuerpo etérico.
La frecuencia y la textura de un tono es conocida de afectar el crecimiento de las plantas y la salud del cuerpo humano para bien o para mal. Leyendas hindúes y chinas hablan de la música que se utiliza para alterar el clima e incluso inducir la combustión humana.

 

Gurdjieff discutió “la música objetiva” y “octavas internas.”

 

En la escena inicial de la película biográfica de Gurdjieff Encuentros con Hombres Notables vemos a un músico resonando piedras de cañón en plena agitación a través del canto de sobreagudos; quizá el cineasta sabía algo de esa técnica. El canto armónico es el zumbido de una nota y cambio de la posición boca /dientes /labios para filtrar ciertos armónicos, creando el efecto de una melodía aguda con un zumbido errante encima, al igual que con las gaitas.

 

Los sobreagudos asiáticos y gaitas irlandesas son probablemente vestigios remanentes de una época en la cual la monofonía fue utilizada para manipular la materia física. Los monjes tibetanos presuntamente han demostrado poder hacer levitar una roca pesada varios cientos de metros en el aire utilizando el poder del sonido.

 

Al sonar el zumbido, cada nota de una melodía forma un cierto intervalo con respecto a ella. Las melodías en música monofónica normalmente pasan a través de los intervalos muy rápidamente y sin pensar demasiado en ellos donde la armonía se hace más frecuente. El oyente escucha la melodía primero y ante todo. Esto permite al equivalente sonoro de la acupuntura, donde cada nota es como una aguja colocada en un punto meridiano específico para activar una función determinada.

 

Para tratar una condición, la acupuntura utiliza un conjunto de tales agujas en puntos meridianos relacionados con esa condición. Del mismo modo las canciones hindúes conocidas como ragas utilizan una escala específica y patrón rítmico conocido por tener colectivamente efectos específicos sobre el oyente.

Todas estas hazañas fueron logradas a través de la música monofónica. Como se mencionó, la melodía afecta a los cuerpos etérico y físico y se refiere a los acontecimientos del mundo exterior. Aquellos con conocimientos ocultos han tomado este principio al extremo para sanar o daña el cuerpo y para manipular la materia, energía, espacio y tiempo.
Como se puede ver, incluso sin la armonía, la música puede ser muy poderosa cuando es diseñada de acuerdo a una ciencia secreta. Sin esta ciencia, la música es imprecisa o accidental en sus efectos objetivos.

 

Pero de qué consiste exactamente esta ciencia secreta, sigue siendo un misterio.

 

Sin embargo, Alain Daniélou ha contribuido mucho a su desciframiento.

 

En su libro “La música y el poder del sonido,” Daniélou muestra cómo los sistemas de música hindú, griega, árabe, china, y los sistemas musicales occidentales todos derivan de un común meta-sistema. Por ejemplo, las notas, escalas y acordes utilizados en la música occidental no son más que un pequeño subconjunto de todos los disponibles en este meta-sistema. La música árabe elige un subconjunto diferente, la música china otra.

La música clásica de la India es la más sofisticada y completa, ya que utiliza notas que ni siquiera existen en la teoría de la música occidental. Emplea microtonos, que son las notas que se encuentran entre las notas que conocemos.

 

Esto es lo que Gurdjieff quería decir con “octavas interiores”, es decir, el espectro de microtonos entre las notas.

 

A lo sumo, la música occidental utiliza microtonos de una manera burda cuando acentúa las notas al doblarlas, arrastrarlas o vibrarlas. Las baterías hacen una técnica equivalente con el ritmo cuando se adelantan o se atrasan a propósito un valor en ciertas notas, alterando así el ritmo de formas microscópicas a fin de impartir una ranura subliminal que hace que un ritmo, que de otro modo es clínico, cobre vida. Estos acentos añaden un sentido de pasión a la música.

 

Los buenos artistas hacen uso de ambas variaciones microtonales y microtemporales para poner “alma” y “ritmo” en la música que tocan.

 

[Esto es directamente paralelo a la sutil expansión y contracción de los orbitales de los electrones en los átomos que acompañan a la producción y la absorción de las ondas longitudinales o escalares, que son biológica y activamente etéreas (literalmente, el fantasma en la cáscara). Estas expansiones o contracciones están por debajo del umbral de lo que daría lugar a un salto en órbita y producción o absorción de una onda periódica EM transversal (fotones), por lo tanto, sus efectos son sub-electromagnéticos, sub-cuánticos, o virtuales. Lo mismo se puede hacer en la música al doblar sutilmente el tiempo o tono de su valor común, en lugar de desviarse hasta el final, lo que simplemente produciría otra nota común o ritmo].

 

Es precisamente esta pasión la que quiere aprovechar la música hindú monofónica con su flexión de las notas y el uso de microtonos extranjeros a la música occidental.

 

Sin embargo, esta pasión no es del todo la misma que los sentimientos de cuerpo completo que sólo la armonía evoca. Se lleva a cabo a un nivel diferente del alma, un nivel más instintivo o reflexivo en lugar de introspección. La respuesta y la “pasión” y “alma” surge en la frontera entre lo etérico y astral, que no es del todo estimulado a nivel de las barrer emociones y épicos temas arquetípicos resonados por la armonía y la modulación de la música polifónica.

 

Más bien, sin ningún tipo de connotaciones peyorativas implícitas, es más a nivel reflexivo visceral que sienten los animales.

 

Los animales tienen cuerpos etérico y astral, pero sus cuerpos astrales no están tan desarrollados como los de los humanos. Es por eso que los sentimientos humanos comprenden un superconjunto de lo que los gatos y los perros experimentan.
Los acentos melódicos y rítmicos que la música monofónica añade a las notas para crear sentimiento y pasión, estos comparten un mecanismo en común con las vocalizaciones de los animales.

 

Podemos entender el maullido de un gato porque tales acentos son relativamente universales a los mamíferos. Podemos diferenciar un triste maullido de un maullido feliz, de un signo de interrogación, de un signo de exclamación, de un gemido apasionado, y así sucesivamente. Compartimos las mismas inflexiones integradas en nuestra forma de hablar; pensar en todas las maneras “hmm” puede ser vocalizado para transmitir diferentes significados.

 

Las letras de rock y blues hacen gran énfasis en esas inflexiones para transmitir la actitud, pasión, o una especie de agonía como el gemido de gatos o gruñido de perros, sólo con la lírica.

 

Curiosamente, los perros aúllan a las notas y gatos responden a ciertas inflexiones melódicas reproducidas en un guitarra pero tampoco responderán a intervalos, armonías, o progresiones de acordes. Sin embargo, los humanos responden a todos estos. Es lógico pensar que hay seres superiores cuyos sentimientos son super-series de los nuestros, que pueden sentir cosas la mayoría de los seres humanos no pueden.

 

Y, sin embargo, sus sentimientos deben ser codificables en la música también. Si usted escuchase este tipo de música, tal vez los sentimientos no humanos podrían ser estimulados en usted si llegan a estar presentes dentro de su alma en forma embrionaria o residual.

 

Tal vez eso es lo que logran ciertas modulaciones que suenan extrañas.

 

 

Música Antigua

En la música hindú, la escala de notas y su distribución de tiempo, mala pronunciación y vibrato son altamente intencionales y específicas.

 

La investigación sugiere que la antigua cultura védica recibió sus conocimientos y herencia de los arios hititas que invadieron la India en el primer milenio antes de Cristo (véase la obra de L.A. Waddell).

 

Estos hititas descendientes de incluso más tempranos proto-hititas-fenicios-amorreos que poseían la navegación global y la tecnología megalítica y por lo tanto sin duda conocían la ciencia secreta de sonido. También fundaron las antiguas civilizaciones mayas, chinas, minoica, sumeria, y las civilizaciones egipcia y eran poseedores de un vasto conocimiento en las matemáticas, la música y otras artes y ciencias.

 

El meta-sistema de música que Daniélou investigó puede haber sido conocido por varios miles de años, pero la fragmentación cultural produjo que la fragmentación musical se alejara del meta-sistema. Tal vez esto fue hecho a propósito.

 

Tal vez la música occidental fue encubiertamente convertida en una eventual forma polifónica, con la entonación igualmente afinada, haciendo factible el juego de armonía en varias claves, con el fin de inducir la rápida renovación cultural, social, política y científica. Tal vez si Europa se hubiera quedado con la monofonía, todavía estaríamos montando burros.

En la antigua China, la música era muy regulada para garantizar que todos los instrumentos estuvieran sintonizados a un centro tonal en particular y sólo eran utilizadas ciertas escalas.

 

Esto perpetuó la estabilidad de la civilización. Se dice que cuando músicos extranjeros se hacen populares en una región, o los músicos locales deciden innovar y tocar otras escalas, la cultura local sufre una caída del orden, la salud y la moralidad.

 

Platón era consciente de este problema, así, quejándose de que,

“Nuestra música una vez fue dividida en sus formas propias.

 

No era permitido intercambiar los estilos melódicos de estas formas establecidas y otras. El conocimiento y juicio informado penalizaban la desobediencia. No hubo silbidos, ni ruidos no-musicales de la turba, o aplausos. La regla era escuchar en silencio y aprender; niños, maestros y el público eran mantenidos en orden mediante la amenaza de la vara.

 

Pero más tarde, una anarquía no musical fue dirigida por los poetas que tenían talento natural, pero eran ignorantes de las leyes de la música.

 

A través de la necedad se engañaron a sí mismos pensando que no había manera correcta o incorrecta en la música, que iba a ser juzgada buena o mala por el placer que le daba”.

 

Música Clásica

Esto pone de forma natural en duda los efectos de la música moderna e incluso clásica.

 

Puede venir como sorpresa que no toda la música clásica occidental es buena y saludable. Cada estilo clásico es dirigido sus respectivas zonas dentro del alma, algunos más o menos que otros. A partir de un punto alto durante los fines de la Edad Media y el tiempo del Renacimiento, la integridad espiritual de la cultura y la música se redujo de forma sistemática a lo largo de los siglos posteriores.

 

El período medieval se extiende desde 400 hasta 1400 DC, y reúne el ascenso de los merovingios y los Reyes de Gran Bretaña, acontecimientos históricos relacionados con el Santo Grial, la proliferación de la caballería y la alquimia, la propagación de varias sectas gnósticas, la construcción de las catedrales góticas, y el ascenso y la caída de los templarios.

 

También incluyó la Sagrada Inquisición y las Cruzadas.

 

Ejemplo 18: Un poco de música medieval. Anonymous – The Eleanor Gradual de Bretaña (1200-1300s), Guillaume Dufay – Ave Regina Coelorum II.

 

Kyrie (finales del Medieval/renacimiento temprano), Guillaume de Machaut – Messe de Notre Dame IV. Sanctus (1365).
La música medieval temprana era monofónica.

 

La música oficial “sagrada” de la época consistía en un canto llano sancionado por la Iglesia, que no era ni sagrado ni musical en el verdadero sentido. Los cantos gregorianos, por ejemplo, fueron intencionalmente minimalistas y sencillos, de manera que se evitaba estimular el alma y el espíritu, que podría haber despertado sentimientos individualistas “paganos” que podría socavar la autoridad espiritual absoluta de la Iglesia.

 

La música profana medieval temprana, sin embargo, fue influenciada por las culturas árabe y persa, cuyas sociedades estaban experimentando una edad de oro en el  tiempo en el que Europa todavía estaba saliendo de la Edad Media.

 

Por lo tanto la música profana medieval tenía elementos de Oriente Medio, aunque con temas líricos centrados en el amor de la corte y hechos heroicos. Los trovadores gnósticos y cantantes que eran propagadores de las leyendas del Grial cantaban en este estilo.
Así que en general, los puntos de interés cultural de la época medieval eran la pureza, la santidad, la devoción y la caballerosidad. Estos son los mismos temas que se encuentran en Irán, India, Escandinavia y otras tradiciones indoeuropeas que se remontan a la antigua civilización proto-hitita-fenicio-amorreo (4000 AC a 1500 AC) mencionadas anteriormente y discutidas en mi serie Gnosis como los portadores originales de la piedra del Grial.

 

Las formas básicas de armonía se desarrollaron por 800-900 DC, aunque la polifonía compleja tomó varios siglos más para madurar. La Iglesia adoptó lo que estaba de moda y por lo tanto se convirtió en música litúrgica polifónica. Así que, aunque la Iglesia se convirtió en el principal vehículo para tal polifonía sacra, las corrientes espirituales y gnósticos encubiertos burbujearon a través de ese marco opresivo.

 

Y no sólo en la música sino también en la literatura y el arte, como lo demuestran las historias del Grial que llevaban temas cristianos en la superficie pero eran gnósticos e hiperbóreos en el centro, o los temas alquímicos codificados en las diferentes estatuas y relieves de las catedrales góticas.

 

Este tipo de música polifónica, que floreció a finales del periodo medieval y se desarrolló a la perfección en el Renacimiento y principios del Barroco, se centraban en la armonía del orden más alto y por lo tanto trataban de estimular la parte alta del cuerpo astral más cercana al espíritu.

 

Por una vez, la música sacra resonó la capacidad de la devoción espiritual a través de armonías y melodías puras.

 

Tal vez el mismo cuerpo de las ciencias secretas detrás de la geometría sagrada de las catedrales, o el tintado alquímico de sus vidrieras, también engendró la polifonía realizada en ella. Esto puede haber sido un acto de guerra oculta dirigida a socavar la tiranía de la Iglesia.

 

Al igual que subir un virus a la nave nodriza, mediante la inyección de un elemento trascendente, gnóstico, individualista en la arquitectura de la iglesia y la música, sólo sería cuestión de tiempo antes de que se convirtiera en la nueva apertura cultural.

 

De hecho, eso es exactamente lo que ocurrió durante el Renacimiento (1400-1600), cuando el desarrollo individual al más alto potencial artístico, divino, filosófico, intelectual y tomó una mayor importancia que la austera sumisión a la Iglesia. En lugar de una espiritualidad al margen, el Renacimiento añadió una dimensión humana más personal a lo divino.

 

El punto focal de esta manera pasó de espíritu a la frontera-espíritu astral donde reside el ego superior. El ego superior representa su potencial más alto. Esta era la altura espiritual de la música occidental, el oro significa entre arriba y abajo donde la complejidad no viene a expensas de la divinidad.

 

Esta música alcanzó su cenit alrededor de 1500 con el estilo franco-flamenco de la polifonía sacra y secular.

Ejemplo 19: música del Renacimiento Medio y tardío.

 

Primero una canción anónima secular llamada Tourdion, Quand je bois du vin (mediados de 1500), luego, Monteverdi – Antiphona, En Sancte Trinitatis, (1610).

 

Monteverdi hizo el puente entre el Renacimiento y el Barroco.

 

En los siglos posteriores, el virtuosismo y excelencia quedaron idolatrados al punto de la arrogancia intelectual.

 

De ahí que el Renacimiento fue seguido por la época de la Ilustración (1600-1800) donde la razón se convirtió en la más alta de las virtudes y todo lo supersticioso o místico pasó a segundo plano. La ciencia eclipsó a la filosofía y la química desplazó a la alquimia. Esta fue una reacción contraria a la naturaleza tiránica de la Iglesia durante los siglos precedentes.

 

Pero al hacerlo, se echó cada vez más al bebé junto con el agua del baño y se descartó los impulsos espirituales sagrados místicos como sintomáticos de la ignorancia religiosa.

 

Los estilos musicales asociados con el Siglo de las Luces, conocido como barroco y clásico, colocan menos énfasis en los sagrados impulsos espirituales que explorar las alturas técnicas de lo que se podría hacer con la teoría de la música occidental que, no obstante, produjo algo inteligible, lógico y agradable.

 

Mientras lo barroco temprano aún poseía las virtudes espirituales del Renacimiento, los enfoques del barroco tardío y los períodos clásicos habían cambiado por completo del ego más alto al ego inferior, o intelecto.

 

Puede haber sido la música más compleja que se ha escrito, pero le faltaba un cierto brillo numinoso.

Ejemplo 20: Barroco tardío y Clásico. Bach – Concierto de Brandenburgo N º 5 en re mayor I. Allegro (1720), Vivaldi – L’estro Armonico Vol. 1 Op. 3 No. 1, I. Allegro (1710), Handel – Messiah, Gloria a Dios (1741).

 

En contra-reacción al intelectualismo y las convenciones de la insípida época clásica, luego vino la época romántica (1800-1900) cuyo objetivo era evocar emociones fuertes y sentimentalismo.

 

Las ricas armonías, texturas y melodías juntas estimulaban la vida emocional interior, provocando anhelos y pasiones. Sin embargo, sólo estimulaba el centro y las regiones inferiores del cuerpo astral, ya sea directamente o por medio de asociación.

Considerando que lo barroco y lo clásico era melódico, agradable y memorable, debido a que todavía respetan las leyes naturales de la música, el romanticismo iba en contra de la convención, rompía las reglas de teoría de la música establecidas hasta ese momento, y se sumergió en las regiones más oscuras de la existencia humana.

 

Esta fue la primera vez que los elementos de los más bajos planos astrales – las energías y entidades trenzadas, dementes, delirantes, demoníacas enojadas, lujuriosas allí – pudieron potencialmente entrar en la música clásica.

 

Para bien o para mal, Beethoven canalizó su cuerpo astral en sus obras, lo que les dio una naturaleza astral feroz, casi hasta el punto de manía luciferiana en ciertas piezas.

Ejemplo 21: Extractos de la Sinfonía N º 5 de Beethoven (1808).

 

Beethoven fue el primer compositor verdaderamente moderno en el sentido de aprovechar las corrientes astrales que no habían sido puestas en la música antes, y que son muy activas en la música hoy en día.

 

Esta época también romantizó temas anteriormente culturales tales como la leyenda del Grial, pero a falta de las influencias espirituales detrás de estos temas originales, lo único que podían hacer era caricaturizar.

 

El ejemplo clásico es Parsifal de Richard Wagner, una ópera épica basada libremente en el poema de Wolfram von Eschenbach, Grial del año 1200.
Wagner tomó el Romanticismo hasta sus últimas consecuencias abandonando la elegancia y la sencillez melódica y armónica a favor de texturas tan ricas y acordes por lo complejas (en un intento de expresar el poder, la emoción, y los temas épicos de una manera asociativa) que, sin saberlo, lo que resultó fue una especie de “muerte térmica” astral, un ahogamiento en el sentimentalismo, una mancha de emociones en una nebulosa amorfa de la histeria.

 

Considere la posibilidad de su famoso acorde de Tristán, que consistía en la 4 ª aumentada (horror, miedo), 3era menor (tristeza humana), y 6 ª aumentada (nostalgia). Es el sonido de un anhelo del alma languideciendo por mejores días.

 

No es de extrañar que Lars von Trier optó por utilizarlo a lo largo de la película Melancolía.

 

Ejemplo 22: el famoso acorde de Tristán de Wagner, del preludio de Tristán e Isolda (1865).

 

Primero es un extracto del comienzo del preludio, luego el final.

 

El impresionismo entonces surgió a finales de 1800 como una reacción al pomposo llamativo sentimentalismo, melodramático del Romanticismo. Su objetivo era ser sutil y subliminal en sus efectos sobre el oyente. El Impresionismo acabó con melodías memorables y armonías tradicionales.

 

Más bien, se abandonó la música a favor de utilizar el sonido para estimular las reacciones que tenían lugar bajo el umbral de la conciencia, produciendo de este modo ciertos estados de ánimo o atmósferas que no podían siempre poder ponerse en palabras.

 

Ejemplo 23: música Impresionista. Debussy – Rêverie (1890), Maurice Ravel – Cuarteto de cuerdas en Fa mayor (1903).
Se podría decir que el Impresionismo fue un intento de música objetiva, pero sólo a nivel fisiológico y sin orden ni concierto y sin conocimiento de la ciencia exacta detrás de él.

 

La misma forma de arte impresionista centrado en la música ligera, impresionista, enfocada en el sonido; ambos trataron de acercar el arte y la música hasta el nivel de estímulo sensorial.

 

Así que por el giro del siglo 20, lo único que quedaba era tirar todas las convenciones y deliberadamente no hacer nada parecido a la música tradicional.

 

Esto fue practicado por Arnold Schoenberg y otros del movimiento Atonal/expresionista. La “Música” atonal tiene como objetivo producir sonidos que no tienen un centro tonal rastreable.

 

A ninguna nota se le otorga ninguna conexión armónica o melódica fácilmente identificable a cualquier otra nota, la única emoción destinada a ser despertada era el continuo temor y ansiedad a través de la implacable disonancia.

Ejemplo 24: Arnold Schoenberg – Cuarteto de cuerdas No. 4

 

Si bien algunos podrían disfrutarlo intelectualmente por su novedad e incluso desarrollar un gusto adquirido para ello, en su núcleo sigue siendo música despojada de musicalidad, como un cuerpo despojado de su alma.

 

Al final, expresaba lo que vino a definir el principio del siglo 20:

materialismo, nihilismo, rebelión, brutalidad, destrucción, caos, terror, sufrimiento, muerte y la pérdida de la conciencia espiritual.

 

Trayectoria Oculta

Aunque simplificada, la historia anterior ilustra cómo la música occidental sigue una trayectoria de lo más alto a los más bajo:

El espíritu dando paso al intelecto, el intelecto al sentimiento, y el sentimiento a la pérdida del conocimiento y el caos.

 

O en términos de Rudolf Steiner, seguía una trayectoria desde Cristo a Ahriman a Lucifer a Sorat .

 

Todo esto en el lapso de cinco siglos. Los puntos focales trazan un descenso lineal hasta el espíritu, mente, astral, etérico, y las capas físicas del ser humano.

 

¿Mera coincidencia?

 

Cada movimiento era una reacción al anterior, sólo un paso en la escala metafísica. Problema, reacción, solución. Esta síntesis dialéctica generada progresivamente delegando estados que finalmente ascendieron a un triunfo de la materia sobre el espíritu.

Ahora debería quedar claro que la devolución (involución) de la música clásica es paralela, o es directamente engendrada, una sistemática disminución de la civilización occidental.

 

 

Música Moderna

La música clásica fue limitada por la tecnología de su época.

 

El órgano de tubos era lo más parecido a la maquinaria motorizada, ya que corría en vapor, y los viejos maestros lo utilizaron prolíficamente. Si los instrumentos eléctricos y digitales hubieran estado disponibles, habrían sido utilizados. Hoy tenemos no sólo los instrumentos tradicionales disponibles para nosotros, sino que también todos los nuevos que ofrece la tecnología moderna.

 

Y no sólo se pueden los músicos modernos invocar estilos de los siglos pasados, sino que se pueden emplear otros nuevos e incluso fusionar varios estilos y yuxtaponer instrumentos de diferentes épocas. Por lo tanto la música de hoy es un superconjunto de lo viejo en lugar de una mera secuela. Se trata de una “resurrección” de lo viejo, aumentado por lo nuevo.

 

Los mismos principios, las fuentes de la inspiración e influencias ocultas que animaron la música antigua aún están disponibles para nosotros, siempre y cuando el músico pueda entrar en ellos. Además, ahora tenemos influencias adicionales que no existían en aquel entonces, por lo menos no en el mismo grado.

 

Bueno o malo, esto significa que la música de hoy es capaz de más: más divinidad, más otro mundo, más poder, más complejidad, más textura, más ritmo, más elegancia, pero también más oscuridad, más demoníaca, más agresión, o más manipulación dependiendo de la intención del músico.

 

Está más allá del alcance de este artículo analizar la base arquetípica y efectos metafísicos de todos los géneros y subgéneros modernos. Sin embargo, estos son bastante fáciles de determinar a partir de las letras y los gráficos que acompañan a la música, ya que estos no están normalmente en contradicción.

 

Por ejemplo, no hay álbumes de música country luchando con dragones, álbumes de rap sobre camionetas y caminos de tierra viejos, o álbumes de reggae sobre un apocalipsis de robots. El lounge y el jazz reflejan la vida social urbana, el metal refleja varias permutaciones de poder, el punk refleja juventud y rebelión, etc., y la razón por la cual un género refleja un arquetipo o reino de la experiencia dado se remonta a la resonancia de factores objetivos y subjetivos de la asociación explicada anteriormente.

 

La música desde el año 1900 se ha diversificado en cientos de géneros y subgéneros. La diversidad es tan grande que no podemos descartar categóricamente la música moderna, simplemente por ser moderna; demasiados factores están en juego.

 

Algunos factores son debido a la novedad de los tiempos.

 

Hay estilos electrónicos debido a su distinción de las capacidades ofrecidas por los sintetizadores y muestreadores. Y el metal no podría haber surgido sin la invención de las guitarras eléctricas y los amplificadores de alta ganancia.

 

Nuevos elementos culturales han entrado en la ecuación, así, por ejemplo, las canciones africanas de trabajo, ritmos vudú y música de burdel que se convirtieron en la base de blues, jazz y géneros derivados. La diferencia entre los estilos europeos y americanos de pop, jazz, rock, metal, etc, se debe a una mayor africanización de este último en el siglo 20.

 

Otros factores son metafísicos. Algunos músicos pueden sacar inspiración del subconsciente de vidas pasadas o futuras, tal vez centrándose en elementos medievales en sus obras, ya que todavía comparten una fuerte relación con ese período de vida y el tiempo.

 

Hay compositores neoclásicos que, teniendo el beneficio de la retrospectiva histórica, son capaces de superar a los viejos maestros y producir aún más hermosas y numinosas obras. Un ejemplo inesperado y poco apreciado, pero digno de mención son las modernas bandas sonoras de los videojuegos. Todo depende de a qué reinos están entrando.

 

Algunos artistas pueden haber tenido vidas pasadas como alienígenas, o pudieran ser seres angelicales en forma humana, y su música contiene un elemento de otro mundo que resuena en otras personas que también podrían haber tenido conexiones de vidas pasadas con ese reino.

 

Por medio de vínculo psiónico establecido entre artista y público, y a través de las características de resonancia de la música en sí, estos artistas pueden transmitir energías edificantes y liberadoras en el mundo.

 

Otra música es de naturaleza puramente comercial, diseñada para atraer a las audiencias más amplias y extraer el máximo dinero. Esa es la definición de música pop(ular).

 

Alguna está diseñada por los think tanks políticos para propaganda, revolución cultural, o por razones de supresión cultural. Luego están las personas poseídas por demonios o participando en sociedades secretas demoníacas que usan la música como medio de recolección de energía de los fans y la inyección de vibraciones demoníacas en el inconsciente colectivo.

 

Lo hacen a través de mensajes subliminales y programación neurolingüística, a través de texturas, ritmos, melodías y armonías que estimulan la resonancia con el mundo de los demonios, y mediante el empleo de la canción o la música de vídeo como un signo mágico oculto de vincular psiónicamente la audiencia al demonio(s) poseyendo o haciéndole sombra al artista.

 

Estos tienen efectos mucho más fuertes en un oyente que si, por ejemplo, si una canción está afinada a A 440Hz o 432Hz A.

El punto es que moviéndose a través de la radio o navegando en la Web buscando música, usted está encuestando un microcosmos sonoro que refleja al gran macrocosmos de seres, reinos, dimensiones, influencias y energías accesibles a la conciencia humana.

 

El pasado, el futuro, este mundo, otros mundos, divino, demoníaco, humano, alienígena, animal, comercial, orgánico, robótico – todo está allí en forma musical, y a una potencialmente mayor intensidad y fidelidad nunca antes alcanzada.

 

Así aparte de la música moderna siendo un mero entretenimiento, una mera diversión, una mera identificación subcultural asociativa, hay un aspecto más serio, donde la música sirve como campo de batalla para competir influencias políticas, ocultistas, espirituales, y extraterrestres.

 

A nivel individual, no se trata tanto del cambio de una persona en algo que no es – porque va a detestar y a negarse a escuchar algo con lo que no resuena ni se identifica – sino de sacar lo mejor o lo peor de él o ella. A nivel colectivo, sin embargo, una cultura basada en principios verticales ser invertida a fondo, subvertida y pervertida a través de su música en el lapso de unas pocas generaciones, porque la mayoría de los niños son fácilmente desculturizados por necesidad evolutiva.

 

Como puede observarse, esa agenda ha estado en curso desde hace algún tiempo.

 

Música Futura

Cuando la gente piensa en de la música futurista, ellos típicamente suelen imaginar algo espacial, electrónica, robótica y sonido.

 

Es natural suponer que el futuro es una extensión del presente, ya que la característica definitoria de la vida moderna es la tecnología, el futuro va a ser lo mismo sólo con aún más tecnología. Pero esa expectativa está demasiado gravada por las deficiencias del materialismo científico y el transhumanismo, cuya visión de la existencia de un solo lado excluye nada fuera de los supuestos principales.

 

También hay variables metafísica, alienígenas, ocultas, y variables escatológicas en juego que no sólo influirán en el futuro, sino que directamente anularían los factores tecnológicos menores y crearían resultados que van completamente en contra de los supuestos predominantes de nuestra época.

Como planeta, nos estamos acercando a un simultáneo convergencia de,

Esta convergencia representa un punto de cisma o nexo, una discontinuidad en la historia humana que lanzará el orden imperante en el caos. De este caos surgirá cualquier número de nuevos pedidos.

 

Cualquiera que sea el resultado, a largo plazo el futuro no será simplemente una progresión lineal de las actuales tendencias tecnológicas, sino más bien una precipitación completa a escala de factores esotéricos/alienígenas/ocultas que por ahora han permanecido sub rosa.

El futuro puede ser dividido en dos fases principales: la transición entre las épocas antiguas y nuevas, y la nueva era en sí. La nueva era será una de paz, iluminación, e integridad. Será un nuevo renacimiento del espíritu, mente y alma. 

 

Todo mito, la visión y la profecía habla de,

  • esta Edad de Oro
  • este Reino de los Cielos
  • este Reino de la Sabiduría

Sin embargo, la fase de transición que le precede será uno de heroísmo sobrehumano frente a dificultades extremas a medida que los espiritualmente despiertos se cuadran en contra de los antiguos y nuevos adversarios que tratan de mantener su dominio.

 

La transición requerirá lidiar con la tiránica agonía de la vieja estructura de poder, sobreviviendo el colapso de la civilización, y desarrollar suficientes conocimientos, fuerza, cohesión e identidad para mantener la llama espiritual viva durante la próxima Edad Oscura.

 

Las amenazas a la soberanía humana evolucionarán de una mera opresión política al mismo comienzo hasta la oposición cada vez más cósmica y sobrenatural, a la mitad y al final. Una nueva orden de caballería surgirá como respuesta a estos desafíos.

 

Nuestros poderes para hacer frente a estas amenazas van a evolucionar también, pasando de los métodos de cinco sentidos hacia las más paranormales formas psíquicas, etéricas y espirituales de defensa y ataque.

 

Esto, a medida que nuestra conciencia, el auto-conocimiento, la conexión divina, la percepción, la tecnología y el medio ambiente gradualmente pivotean hacia una octava superior de existencia.

 

Si tuviéramos que traducir lo anterior en la música,

  • ¿Cómo Sonaría?
  • ¿Lo haría la música country?
  • ¿Lo haría el jazz?

Nuestra música tendría que ser épica, humana y sin embargo sobrehumana, potente, dinámica, trascendente, misteriosa, espiritual, e intensa.

La música moderna dedica demasiado de sí misma a los reinos de experiencia cuyos días están contados:

la vida urbana, la moda, la celebridad, el glamour, el materialismo, la promiscuidad, la mundanidad,  etc.

Muy pocos géneros son incluso capaces de capturar el espíritu de la época de lo que está por venir.

 

Para eso, necesitamos la música cuya textura, ritmo, melodía, armonía y sea cualquier cosa menos pequeño y mundano. Una opción obvia para una textura que encarna el poder, energía y dinamismo es el tono distorsionado de una guitarra eléctrica.

 

La distorsión proviene de una sobrecarga de tubos de vacío dentro de un amplificador de guitarra. La señal de golpear los tubos es tan intensa que supera sus limitaciones nominales, y por lo tanto la forma de onda de la señal se distorsiona y adquiere un borde sónico más duro.

 

Así que aquí tenemos ya los conceptos de poder, energía, y superación de limitaciones.

 

El sonido resultante conlleva no sólo el tono de identificación de la señal original de la guitarra, sino que ahora tiene un rico espectro de armónicos añadido. En lugar de uno, ahora hay muchos. Esto captura la esencia del poder. Los platillos en una batería del mismo modo consisten en un amplio espectro de armónicos, pero carecen de un tono fundamental bien definido y por lo tanto no tienen la “dirección” sonora que tiene una guitarra distorsionada.

 

Este último encarna el poder de muchos actuando bajo un solo propósito.

 

El sonido apresurado de una cascada masiva, el zumbido de un generador de alto voltaje, el rugido de la multitud – Todo esto es parte en la expresión del poder

 

Por lo tanto, el tono de la guitarra eléctrica distorsionada es el epítome del poder, de la energía, y la trascendencia. Es el justo medio entre la direccionalidad pero con la soledad de una onda sinusoidal pura y el multitudinario sonido sin dirección del puro ruido.

 

Esa es la razón por la cual toda la música de metal emplea el tono de la guitarra distorsionada, ya que el poder es el denominador común de todos los subgéneros del metal; el predominante acorde que usa el metal es incluso llamado el “acorde de energía”, basado en el intervalo de quinta perfecta 2: 3, ya que como se mencionó anteriormente, la quinta justa por sí ya tiene un sonido majestuoso y poderoso, que sólo se ve reforzado por la distorsión.
El arquetipo del poder vinculado al metal puede ser filtrado o accesorizado a través de diversas armonías, melodías, texturas y ritmos para generar los diversos subgéneros del campo. Por desgracia, al igual que los valores predeterminados de energía física hacia la violencia y la destrucción en el mundo de hoy, así el poder de metales se ha dirigido hacia aplicaciones violentas y oscuras, pero no tiene por qué ser así.

 

Si dirigido hacia el reino divino en cambio, el resultado sería una expresión del poder divino, un arquetipo angelical en lugar de uno demoníaco. En la música clásica de la India, el instrumento conocido como tanpura tiene una textura similar a la guitarra eléctrica y genera un zumbido que significa energía cósmica.
Aparte de expresar poder, nuestra música tendría que emplear la modulación para transmitir el sentido de la transición entre reinos. 

 

Un uso elegante de la modulación significa un estado hiper-dimensional de existencia más allá de los límites del tiempo lineal. Lo que representa es más cerca del dominio alienígena o de ángeles, demonios, genios en lugar del el dominio humano, pero eso cambiará a medida que la raza humana evolucione.

 

En la vida, los seres humanos consiguen un sabor tenue de las transiciones de reino a través de soñar, que es un cruce de los reinos de la vida de vigilia al paisaje de ensueño interior y viceversa.

 

Para crear una canción que evoca la esencia de los sueños sin tener que recurrir a las texturas especiales, debe emplear la modulación de melodías que tengan una elegancia sobrenatural. De hecho, la música escuchada por primera vez en los sueños a menudo tendrá esta cualidad.

 

Desplazarse del viejo mundo a nueva era será como cruzar la frontera de vigilia-sueño.

 

Cuando una canción o una frase comienza y termina con la misma clave, mientras hay modulación en el medio, eso es paralelo a salir de su casa e ir en un viaje épico terminando de vuelta en casa. ¿Con cuántas historias de aventura, fantasía y ciencia ficción nos hemos encontrado a lo largo de este tema? El Mago de Oz es un ejemplo

 

Si la modulación es especialmente un sonido de otro mundo, entonces la aventura es mágica.

 

Este codifica el arquetipo del viaje del héroe, la plantilla que Joseph Campbell descubrió es la base universal de la mitología. La propia mitología es un mapa trans-dimensional de nuestro destino planetario que muestra de dónde venimos, quiénes somos, por qué estamos aquí y hacia dónde vamos, aunque codificada en forma simbólica como un sueño.

 

Y al igual que los sueños pueden presagiar el futuro, el mito del héroe prefigura nuestro propio triunfo futuro sobre la ignorancia y la adversidad.

 

Así que la modulación es esencial para codificar la propiedad de la trascendencia.

 

Hechas correctamente, las canciones que modulan pueden evocar sentimientos en nosotros que prefiguran un tiempo futuro, cuando ciertos humanos heroicos trascienden la mundana Matrix y adquieren los poderes de otro mundo, el conocimiento y la experiencia necesaria para volver y ayudar a liberar a sus hermanos que todavía están luchando para trascender.

 

Como para los otros impulsos activos durante la fase de transición, para el elemento espiritual nosotros podemos mirar a las armonías puras y elegantes de la música medieval y renacentista. Para la celebración de la individualidad humana, la exuberancia de las épocas del Renacimiento y el Barroco.

 

Parar la seriedad emocional de esperanza y tragedia en medio de colapso y el cambio, las voces apasionadas y los coros épicos de la época romántica. Para el heroísmo, el valor y la caballerosidad, tal vez las melodías populares de los escandinavos o voces operísticas metálicas modernas. Para el poder puro y calibre sobrehumano, la energía sin igual y el poder de las guitarras y los tambores de metal.

 

Combine todo esto de forma sinérgica y emplee la modulación de otro mundo, y usted tendrá un ejemplo de algo capaz de expresar la era de transición.

 

Eso no significa que las generaciones futuras escuchen precisamente este tipo de música, sólo que los arquetipos más activos de ese futuro pueden resonar en estos momentos a través de ciertas composiciones de apropiado alcance y esplendor.

 

Tanto si estimulase algo en usted depende de cuánto resuene usted con esos arquetipos. A su vez, eso depende de quién usted es, de dónde/cuándo vino, por qué está aquí y hacia dónde va usted en la vida.

 

Conclusión

Qué música disfrutamos potencialmente incluye, no sólo nuestras características de resonancia del alma y temas recurrentes de la vida, sino también los aspectos más superficiales, como afiliación cultural/subcultural y el grado de kinestésica vs. centrismo emocional intelectual.
Sería un error, sin embargo, confundir la resonancia alma con los factores más mundanos detrás de la preferencia musical y por lo tanto llegar a conclusiones erróneas.

 

Para llegar al alma, una canción debe pasar a través de los circuitos musicales del cerebro. Si el circuito no está bien desarrollado, la canción nunca será percibida a las profundidades necesarias para resonar en el alma en el primer lugar. En ese caso, la preferencia musical de una persona puede deberse más a factores mundanos como la asociación, la identidad, la ranura, o la intriga.

 

Muchos de estos individuos tienden a no tener fuertes preferencias musicales para nada y escucharán casi cualquier cosa; eso es debido a que su preferencia no sigue condicionalmente sus perfiles únicos de resonancia del alma.

 

Pero suponiendo que podemos lograr una visión objetiva en el alma basada en la preferencia musical, ¿cuáles son las implicaciones?

 

Bueno, en pocas palabras, significa que todos tenemos roles espirituales que son únicos en su idiosincrasia, y sin embargo genéricos siendo derivados de unos pocos arquetipos.

 

Estos arquetipos incluyen,

  • el guerrero
  • el sanador
  • el vagabundo
  • el embaucador
  • el cacique
  • el niño
  • el rey
  • la princesa
  • el caballero
  • el héroe
  • el técnico
  • el extranjero
  • el mártir
  • el observador, etc.

Estos arquetipos son los que subyacen en las correspondencias entre el alma, la vida y la música.

También significa que somos lo que somos, y estamos a favor de lo que representamos. Si otros adquieren percepción de nuestros arquetipos internos, y nosotros de los suyos, no debería haber ningún motivo de vergüenza mutua, desprecio, arrogancia, u odio.

 

Sólo debe ser motivo de mutuo reconocimiento y comprensión de la materia, sin necesariamente traicionar nuestros propios valores y roles, ya que debemos ser lo que debemos ser.

 

Temas no discutidos

Dado que este artículo es sólo una visión general, no incluye los análisis técnicos más difíciles de todas las facetas matemáticas, ocultas, y facetas históricas de la música ni la forma de aplicarlos.

Muchos de éstos todavía tengo que investigar y experimentar antes de ser capaz de explicar a mi satisfacción

Así que aquí está una lista de temas para explorar:

  • Cómo difieren escalas musicales y modos (Jónicas, Doriana, frigia, lidios, Mixolydiana, Aoliana y Locriana) en sus impactos sobre el alma.
  • Cómo afectan los modos y escalas a las culturas que los emplean.
  • Cómo las escalas corresponden a los chakras e influyen en ellos.
  • Implicaciones de las escalas como la pentatónica menor o mayor que tiene sólo cinco notas, y cómo esto se relaciona con las culturas que las usan.
  • Como Rudolf Steiner señaló, el modo preferido de la humanidad ha cambiado progresivamente con el tiempo, desde Lidio (prehistórico) al frigio (Egipto y Grecia) al Dorio (Medieval) al modo Jónico actual, siendo el Locriano el siguiente modo preferido por nuestros descendientes.
  • Cómo todavía no hemos desarrollado la capacidad de percibir el modo Locriano con precisión y autenticidad.
  • Cómo el Locriano es el único modo de que utiliza un tritono en lugar de la quinta justa, por qué esto representa una capacidad hiperdimensional para desplazarse entre reinos, y cómo eso se relaciona con lo que los humanos futuros serán.
  • Una lista de intervalos, acordes y modulaciones entre acordes, y su correspondiente color, sentir, reino, etc.
  • Un método fiable para modular entre una tecla y otra, hacia los efectos previstos, dentro del tiempo asignado en una canción.
  • Las formas específicas en que el micro-tiempo de un ritmo o variación de tono microtonal imbuyen a la música con el “alma”.
  • Los dos tipos de sonido mencionados por Gurdjieff en el capítulo 42 de “Beelzebub’s Tales to His Grandson“, uno de ellos siendo el sonido ordinario que conocemos, y otro capaz de alterar la materia, influir en la salud o la enfermedad, y afectar la mente; se relaciona con la obra de John Keely.
  • ¿De qué manera la inflexión vocal corresponde a los intervalos musicales y ritmos?
  • El análisis armónico de las diferentes vocales incluyendo el canto armónico, y de qué manera éstas apuntan a diferentes reinos, arquetipos, o seres que pueden ser invocados a través de este tipo de sonidos.
  • Cómo lo anterior puede unirse a las tres ondas estacionarias cimáticas tridimensionales inducidas en el éter, que funcionan como abridores de portales y/o sigilos ocultos hechos de patrones vibratorios geométricos.
  • La discusión de los puntos de vista y observaciones de Rudolf Steiner con respecto a la música y el alma, y el meta sistema de  Alain Daniélou de la música.

Fuente: http://www.bibliotecapleyades.net/ciencia/ciencia_consciousuniverse496.htm

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